Crónica HELLFEST 2025 19,20,21,22 Junio (Francia)

A veces es posible leer la mente. No siempre, y no a todo el mundo. Deben reunirse ciertas condiciones, y solo para una muestra muy precisa de la población. Y este fin de semana, al ver a esos Festivaliers con camisetas de DREAM THEATER, se podía adivinar en qué pensaban. Porque todo fan de Dream Theater que se precie, mientras espera a que la banda suba al escenario, se hace una sola pregunta, siempre la misma: “¿Qué setlist nos habrá preparado Mike Portnoy para esta noche?”. La banda celebra (ya) sus 40 años y 16 álbumes (¡!!!), así que hay mucho suspenso esta noche. Las luces del Main Stage se apagan mientras suena la música de Psicosis (compuesta por Bernard Herrmann para la película de Alfred Hitchcock estrenada en 1960), creando una atmósfera misteriosa. Los seguidores de Portnoy no se sorprenderán por esta elección porque saben desde hace tiempo que este tipo no solo es un fanático de la música, sino también del cine, incluidos los de terror, como muchos de sus colegas músicos del mundo del metal (Kirk Hammett, Phil H. Anselmo, Rob Zombie, etc.).

Entrada en materia perfecta, ya que la banda comienza el concierto con “Night Terror”, primer sencillo del último álbum Parasomnia (2025), que marcó hace seis meses el gran regreso de Portnoy a la batería, una de las pocas buenas noticias de 2025 en estos tiempos inciertos, verdadero acontecimiento que, como manda la profecía, restaurará el equilibrio en La Fuerza.

Los fans del prog mostraron entonces todo su entusiasmo al escuchar un “Night Terror” escrito en la más pura tradición de Dream Theater, con sus casi 10 minutos llenos de secciones desarrolladas, un excelente trabajo armónico entre la guitarra de John Petrucci y los teclados de Jordan Rudess, cambios de groove y giros inesperados de Mike Portnoy en la batería, un John Myung al bajo manteniendo el edificio con discreción (ese tipo es un verdadero tanque de guerra, ultraarmado, al que se le ha añadido la furtividad de un F-117; sabes que Myung te va a pulverizar, pero no lo verás venir), las líneas vocales siempre tan pegadizas de James LaBrie, modos frigios dominantes y compases de 7/8 (fans de Dream Theater, sé que saben de lo que hablo), y por supuesto solos de guitarra llenos de matices, porque Petrucci tiene una reputación que mantener. Así que esta noche es esta excelente canción la que abre el baile, con un sonido PER-FEC-TO, luces y proyecciones impecables, pero digámoslo desde el principio, me atraviesa una preocupación: los últimos directos que he visto aquí y allá mostraban a un James LaBrie con dificultades. El frontman de técnica fenomenal que todos conocemos parecía forzar su voz en las notas más agudas, y temo que también sea el caso hoy. Esperemos a ver cómo se desarrolla esta noche. Por cierto, me sorprende que, a diferencia de muchas bandas, Dream Theater no parezca bajar medio tono sus temas en directo, precisamente para facilitarle el trabajo a su cantante… Preocupación aparte, al público no le importa y disfruta plenamente de la ejecución quirúrgica de este primer tema, feliz de celebrar hoy con sus ídolos los 40 años (¡ya!) de la banda.

Y como regalo para los fans, el cuarteto estadounidense enlaza con dos canciones de su álbum conceptual de culto Metropolis Part 2: Scenes From A Memory (1999): “Act I: Scene Two: II. Strange Déjà Vu” y “Act I: Scene Three: II. Fatal Tragedy”. Es, en mi opinión, ese álbum el que inscribió el nombre de la banda en la historia del prog. El momento en que retomaron el control y se soltaron realmente en la escritura, tras su dolorosa experiencia con Falling Into Infinity (1997). Incluso la historia de este álbum conceptual era excelente: un hombre (Nicholas) va al hipnotizador, se da cuenta de que es la reencarnación de Victoria, una mujer asesinada en los años 1920, y luego todo se desmadra hasta un final trágico… Es también el primer disco que la banda grabó con Jordan Rudess, verdadero genio a los teclados. Así que lo confirmo: Scenes From A Memory es claramente un “fan favorite”. De hecho, el efecto es inmediato: el público parece conocer toda la letra de memoria porque canta de principio a fin. Por mi parte, me sorprendo recordando todas las partes de batería, que trabajé en su día como todo el mundo, aunque no haya escuchado ese álbum desde hace siglos. Sigue “Panic Attack”, uno de los temas más metal del excelente Octavarium (2005), que los fans recordarán porque dio a Dream Theater la oportunidad de hacer gira de estadios por Europa con nada menos que Iron Maiden. (yo estuve allí, fue épico). Épico, también es un adjetivo apropiado para el Panic Attack de esta noche, perfectamente tocado por la banda, como siempre. Las luces se apagan para dejar paso a un breve vídeo con testimonios de veteranos que comparten sus recuerdos dolorosos tras haber servido en las interminables guerras de Irak y Afganistán.

Un interludio muy apropiado para introducir la próxima canción, “The Enemy Inside”, del álbum Dream Theater (2013), y único tema esta noche de la época Mike Mangini (baterista del grupo de 2011 a 2023, seleccionado entre lo mejor del prog tras unas audiciones increíbles aún disponibles en el canal de YouTube de la banda). La banda continúa con la excelente “Midnight Messiah” (del último álbum), con una intro que sube de intensidad lenta pero inexorablemente, como esas nubes negras en el horizonte que anuncian tormenta, antes de que la tempestad golpee el barco de lleno. Porque el riff del verso, golpea, igual que ese estribillo “a lo Judas Priest” (salvo que el pobre LaBrie está realmente en apuros esta noche, al contrario que Mr. Rob Halford la noche anterior – el jefe; ¡Qué clase!). Pero a pesar de todo, nos sentimos tranquilos porque John Petrucci nos ametralla una vez más con solos increíbles, y en general, la banda suena sólida. Y ahí, sorpresa (al menos para mí), “Peruvian Skies”, del maldito álbum Falling Into Infinity (1997) que mencionaba antes.

Es la ocasión para la banda de tocar con más matices, para que LaBrie se sienta más cómodo, y para que John Myung nos recuerde que su sonido de bajo no es ninguna broma. Había olvidado lo increíble que es el crescendo a lo largo de esta canción (y el medley con “Wherever I May Roam” de Metallica justo antes del final del tema… Magistral). Luego, evidentemente, viniendo al Hellfest, Dream Theater tenía que tocar su tema más Heavy, sacado de su álbum más oscuro (Train Of Thought [2003]), me refiero a: “As I Am”. Es EL tema de esta banda al que nunca podré resistirme. Quizás mi intro favorita de bajo de todos los tiempos (esta noche compartida entre el bajo y el teclado). Excelente ejecución por parte de la banda una vez más, y como extra, un estribillo mucho más adaptado al registro de LaBrie esta noche… Una delicia.

Y para cerrar, Dream Theater ofrece al público su primer “hit”, “Pull Me Under” de Images And Words (1992), tema que ya en su época contenía las semillas de todo lo que llevaría a la banda a encabezar el mejor festival del mundo 37 años después. Todo el mundo canta ese estribillo irresistible, Rudess nos regala un solo magnífico, Portnoy lanza algunos trucos aquí y allá, como ese “blast beat” (¡Excelente idea!) y Petrucci interpreta su solo como en el disco: perfectamente, como siempre. ¡Una verdadera apoteosis!, Los afortunados de las primeras filas quizá tengan la sorpresa de ver su gran sonrisa en la foto que Dream Theater tomó desde el escenario con su público, al ritmo de “Singing In The Rain” (de la comedia musical del mismo nombre estrenada en 1952), tras un GRAN concierto.

Balance: esta banda suena realmente bien, todos los instrumentos estaban en lo más alto, la voz hizo lo que pudo frente a un público benevolente que supo valorar el esfuerzo. Dream Theater también tuvo el buen gusto de no hacer solos individuales (lo cual siempre es un poco dudoso en un Festival, dada la escasa duración de los sets), sin florituras esta noche porque habían decidido darnos una paliza, sin presumir de su virtuosismo. Impecable. Único lamento, porque siempre hay uno: esta vez, nada de Awake (1994)… ¡quizás la próxima vez!.

Hice bien en levantarme “temprano”. BLOOD COMMAND (Main Stages) son las vacaciones. Una cantante (Nikki Brumen) con vestido/minifalda roja con lentejuelas. Un bajista (Snorre Kilvær) con bigote y pantalón corto rojo, como un socorrista que no tuvo tiempo de cambiarse después de su turno en la piscina esta mañana, un guitarrista (Yngve Andersen) con pantalón corto/chándal/stratocaster amarilla, y un baterista (Sigurd Haakaas) con buen gusto (una Pearl Free Floating de cobre, no se ve todos los días). Frente a un público que vino a revivir su primer verano en la playa con amigos, sin padres. Definitivamente, las “mañanas” (para mí) del Hellfest no decepcionan. Tres wall of death en 20 minutos, todo el mundo sonríe, todo el mundo baila, es una fiesta — la VERDADERA fiesta. Y musicalmente, este tipo de crossover punk hardcore/thrash al estilo de Kvelertak, es exactamente lo mío. Un concierto a tope, con todos sus clásicos: “Bare Witness” y “The Plague On Both Your Houses” de World Domination (2023), “A Villain’s Monologue” de Praise Armageddonism (2022) o “Ctrl+Art+Delete” y “Cult Drugs” del álbum homónimo de 2017, y por supuesto el excelente último sencillo “All I Ever Hate About Is You”, lanzado en abril pasado.

Un concierto que me puso de buen humor. Igual que esta pregunta que me rondó la cabeza al final de su actuación, viendo a un niño de 6 años junto a mí, entre sus dos padres, con cascos antibruido encajados en las orejas: ¿qué impresión le habrá causado Nikki a ese crío, ella que se contoneó durante todo el concierto como una gogo dancer, y que empezó su set en chándal para acabar en tanga? En mi cabeza sonrío. Y como dijo la madre del pequeño, cito: “sobre todo, no cuentes esto en la escuela”. Así que, ¡choca esos cinco, hermanito!.

Turno para ASHEN (Main Stages). Primera impresión: ¡qué seguros se les ve! ASHEN es un metalcore furioso, preciso y extremadamente profesional. Nos tenían preparadas algunas sorpresas, como un featuring con Will Ramos, cantante de Lorna Shore, o una versión de “Smells Like Teen Spirit” de NIRVANA al estilo ASHEN (muy lograda). Podrías pensar que esta banda lleva 20 años girando, dada la facilidad con la que dominaron el espacio. Todos los pasajes técnicos salen (mención especial para Tristan Broggia en la batería), voz impecable, el bajo (Thibault Poully) con un groove brutal, Niels Tozer y Antoine Zimer en las guitarras lo revientan… ASHEN tienen clase. Y Clem Richard (voz) es el jefe esta mañana en el escenario principal. Dirige a la multitud, que con un simple gesto se pone de rodillas, antes de saltar como uno solo.

Un enorme circle pit en la siguiente canción (metal bien sucio, según el cantante) del próximo álbum. Tampoco necesita insistir cuando ordena un wall of death. Dicho y hecho. Hay una conexión entre ASHEN y su público, se entienden. No sé cuál será el futuro del metalcore, un estilo algo envejecido, seamos honestos. Pero si ha de haber una última gran banda de este género en Francia, siguiendo los pasos de Landmvrks y Novelists, puede que sea ASHEN. Porque esta banda, que ya pisa el escenario principal sin haber sacado un álbum, tiene todo el talento necesario para hacer evolucionar el metalcore hacia una nueva dirección.

No es fácil pasar justo después de Ashen en los Main Stages. Sin embargo, esa es la tarea que le toca a NOVELISTS, que vinieron del Graspop durante la noche en una furgoneta, a lo duro. Y debo decir que Camille Contreras (voz) me impresiona, en su primera vez en Hellfest frente a un escenario principal repleto (ya que Camille no formaba parte del grupo en su primera actuación en 2022). Gran sonrisa, una voz poderosa, la hermanita podría haber crecido aquí de lo cómoda que se ve (perdón, tengo más de 40 años, para mí todas las bandas jóvenes son hermanitos y hermanitas, es lo que hay). Y luego está Pierre Danel. Se dice que es el mejor guitarrista francés de su generación. Pierre es ese que escuchaba en clase y hacía todos los ejercicios que su profe de guitarra le daba semana tras semana. Qué lástima que Satriani, Vai y Bonamassa hayan tocado ayer, podrían haber visto el talento de este joven, que sonriente no para de lanzar solos de Guitar Hero sin el menor esfuerzo, pese al calor sofocante que debe dejarle el mástil resbaladizo como una shortboard recién encerada.

Cabe destacar que NOVELISTS no tiene un solo Guitar Hero, sino dos. Florestan Durand es también un valor seguro, listo para soltar solos con tanto gusto y elegancia como su compañero. El grupo cumple bien, bajo el calor y la presión. Al fondo del escenario, Amael Durand (batería) y Nicolas Delestrade (bajo) tienen el rostro tenso, pero cumplen. Los chicos están concentrados, han trabajado para estar aquí, y el resultado es sólido. En el repertorio: “Coda”, “Prisoner”, “Mourning the Dawn”, “Terrorist”, “Heretic”, “Say My Name”, “All For Nothing”, “Smoke Signals” y “Turn It Up (Keyboard Warriors Social Club)”. Aprovecho para saludar la calidad de los ingenieros de sonido, que a diferencia de Muse dos días antes, nos brindaron un auténtico festín sonoro en los Main Stages desde primeras horas. ¡Bravo!

El concierto de MESSA (Valley) comienza con Fire on the Roof (de su último álbum The Spin [2025]), con la guitarra llena de delay de Alberto Piccolo sobre un arpegiador, permitiendo al público redescubrir la magnífica voz de Sara Bianchin antes de que entren Marco Zanin (bajo) y Rocco Toaldo (batería), tres años después de su última visita al Hellfest. Los italianos forman parte de esta nueva ola de bandas surgidas del doom, pero que también han escuchado Joy Division, Depeche Mode o Type O Negative. Bandas que no dudan en usar pedales de chorus o delay entre secciones pesadísimas. Pienso evidentemente en Hangman’s Chair, o también Dool. MESSA es poderosa y solemne. Mucho control de las dinámicas, precisión emocional y en la ejecución. Un bajista sereno. Un guitarrista capaz de una elegancia digna de John McLaughlin (sí, dije John McLaughlin), y ese baterista… un uso tan poderoso de los silencios (en “The Dress” de The Spin [2025]) que me hizo pensar de inmediato en Jean-Paul Gaster de Clutch —sí, hay cosas que trascienden estilos— como demostrar que un gran músico también se reconoce por las notas que no toca.

Atención, MESSA es ceremonial, pero también sabe explotar. Siempre con justeza, lo necesario para crear tensión, y luego soltar. Un repertorio bien pensado, con At Races y Reveal. Me hubiera gustado que tocaran la fabulosa “Orphalese” de Close (2022). Pero seguro que será para otra vez. ¡Espero que algunos de ustedes hayan tenido la suerte de verlos en el Resurrection Fest o en su paso por Madrid y Barcelona a finales de junio, esperando con ganas su próxima gira!

Después llega el turno de EAGLES OF DEATH METAL (Main Stages). Antes de que suene la primera nota, ya se marca el tono: “We Are Family” de Sister Sledge retumba en la megafonía de los Main Stages, mientras Jesse Hughes aprovecha para dar la bienvenida como se debe. El temazo “I Only Want You” de Peace Love Death Metal (2004) nos pone al instante en ambiente. Va a ser divertido. EODM se presentan en escena como personajes de Scooby-Doo, pero con libido. Y encadenan éxitos: “Cherry Cola”, “Don’t Speak (I Came To Make A Bang!)” y “I Want You So Hard (Boy’s Bad News)” de Death by Sexy (2006), además de “I Love You All the Time” y “Complexity” de Zipper Down (2015). Baby Duck (apodo que le da Josh Homme, de Queens of the Stone Age) se lo pasa en grande, anima el ambiente, pero también es un predicador: lo que Francia le enseñó hace 10 años es que el amor es una fuerza y que nada destruirá el rock’n’roll. Podría pensarse ingenuamente que pasar de Messa a EODM es como pasar de música para adultos a música para adolescentes, o como cambiar de canal de Arte a Gulli, pero sería un error. Porque en EODM, la alegría es una decisión consciente, que comparten con el público con inmensa generosidad.

Como esa magnífica versión de “Moonage Daydream” de David Bowie. EODM son los jefes del Rock’n’Roll americano, el del desenfreno, las (probablemente malas) series de nuestra infancia, los muscle cars, las chicas en bikini, y esa irreprimible confianza en el futuro tan característica de EE.UU. Demasiada emoción para mí durante este concierto. Imposible contener las lágrimas durante el solo de la versión de Bowie, pensando en todos los que perdimos en los atentados de París (en mi amigo Romain, que me hizo descubrir EODM, en su novia, y en todos los demás. RIP). Vine con la intención de no pensar en el 13 de noviembre, pero si Jesse lo menciona, ya no tengo elección. Me habría gustado ahorrarme un momento tan sombrío. En fin. Para salir del bajón, nada mejor que Speaking In Tongues de Peace Love Death Metal (2004), con batalla de guitarras incluida y una versión de “Ace of Spades” de Motörhead durante el solo de bajo, antes de un final grandioso. Ahora sí que necesito una pausa.

Vuelta al combate con la banda más peligrosa programada en los Main Stages este año, si no de todos los Hellfest: REFUSED. Este será el último concierto del grupo, que anunció su disolución para finales de este año, después de que el cantante Dennis Lyxzén sobreviviera por poco a un paro cardíaco el año pasado, él que fue Straight Edge la mayor parte de su vida. Todo es político en REFUSED, como demuestra la bandera palestina ondeando en el escenario y el mensaje de Dennis sobre Gaza entre canciones.

Aquí se rechaza la opresión de la clase dominante. Se hace con inteligencia, elegancia, pero con fuerza y determinación. El grupo porta su ideología como una bandera y recuerda en cada concierto que un fan de REFUSED combate la homofobia, la misoginia, la transfobia y el racismo. Un mensaje de apertura defendido por un post-hardcore complejo, lleno de giros, que los suecos ayudaron a inventar hace más de treinta años. Aquí se grita Free Palestine! por iniciativa del cantante. Como despedida del Hellfest, REFUSED recupera montones de temas antiguos para deleite de los fans: “Pump the Brakes” de This Just Might Be The Truth (1994), “Rather Be Dead” y “Coup d’Etat” de Songs to Fan the Flames of Discontent (1996), “The Shape of Punk to Come”, “The Refused Party Program”, “Liberation Frequency”, “Summerholidays vs. Punkroutine”, “The Deadly Rhythm” y “Worms of the Senses/Faculties of the Skull” de The Shape of Punk to Come (1998), además de “Malfire” y “REV001” de War Music (2019). Y ya casi es el final. El grupo cierra su set con “Elektra”, único tema de Freedom (2015), y por supuesto New Noise como conclusión. Sí, el bajo estaba mil veces demasiado alto, pero ver a esta banda, que inspiró a generaciones de músicos, terminar por todo lo alto en los Main Stages del Hellfest a las 19h, calienta el corazón. Gracias por todo, chicos. Solo quedan tres oportunidades para ver a REFUSED en España antes de que sea definitivo: en el Mad Cool Festival en Madrid el 10 de julio, en el Rock Land Fest en Santo Domingo de la Calzada el 18 de julio y en el Tsunami Xixón Festival el 19 de julio.

Nunca he conocido a HEALTH (Valley), pero ya sé que escucharon, como yo, la BSO de The Crow, película de Alex Proyas de 1994. HEALTH es una banda estadounidense de metal industrial melancólico muy elegante, con baterista de verdad, por favor (B.J. Miller), y no caja de ritmos (muchas gracias — lo apreciamos). El grupo entra con todo tras una intro que encanta a los frikis como yo: “A Cruel Angel’s Thesis” (“Zankoku na tenshi no tēze”) de Yoko Takahashi, es decir, el mítico opening del anime Neon Genesis Evangelion (1995) de Hideaki Anno. La música de HEALTH es suave y pesada a la vez. Una tragedia distópica en una ciudad futurista de noche, como se mostraban en las pelis de ciencia ficción de los 90. Sería la banda sonora perfecta para una escena de club en The Matrix (1999) de los Wachowski o Strange Days (1995) de Kathryn Bigelow. Recuerda a Nine Inch Nails, por supuesto, incluso a Placebo o más recientemente a Jesu. HEALTH fue un descubrimiento para mí (gracias a los colegas que me llevaron, ¡no me arrepiento en absoluto!). En cualquier caso, banda sonora perfecta para el final del día. Una banda más que escuchar más a fondo al volver a casa.

Bocanada de aire fresco después con CYPRESS HILL (Main Stages). No es fácil elegir entre los raperos más cabreados de la historia y WALLS OF JERICHO (Warzone), pero a estas alturas, hay que saber quedarse con el grupo antes de que la multitud haga imposible los “nos vemos junto a la mesa de sonido con Tal o Cual”. Por cierto, CYPRESS HILL me evoca mi único enfado en este festival: estoy harto de oír que el público del Hellfest es cerrado, que se queja si no es metal, o que se ha vuelto Disneyland. Vengo al Hellfest desde 2009. Hemos tenido a Iggy Pop, ZZ Top, Vintage Trouble, Götterdämmerung, Foo Fighters, etc. Y siempre ha ido bien.

El público del Hellfest es todo menos cerrado, y el ambiente en CYPRESS HILL lo demuestra una vez más. No tiene que ver con el estilo: una banda de rap puede venir varias veces y poner patas arriba el festival cada vez. Pero para que funcione, tienen que darlo todo (a diferencia de algunos, que no nombraré, cuyo nombre empieza con “M” y termina con “USE”. En fin). No vi todo el concierto, pero me alegro de haber escuchado “Cock the Hammer”, “Insane in the Brain”, “Can’t Get the Best of Me”, “(Rock) Superstar” y las versiones de “How I Could Just Kill A Man” y “Bombtrack” de Rage Against the Machine, y “Jump Around” de House of Pain para cerrar el set. Los afortunados los habrán visto a principios de julio en España. CYPRESS HILL es realmente la banda de rap más metalera que existe.

Nos vemos después con JERRY CANTRELL (Valley), el gran músico cuyo último paso en 2022 fue considerado por todos los asistentes como uno de los mejores conciertos del Hellfest (no solo de ese año, de todos los Hellfest). Esta vez, Ray Mayorga reemplaza a Gil Sharone en la batería. Me alegra volver a ver en vivo a este batería, que ha tocado literalmente con todo el mundo. Está impecable en el kit, como lo estuvo con Ministry en 2022 (ese día bajo un diluvio). Al lado del maestro, también están Greg Puciato (ex-Dillinger Escape Plan) en la voz, Eliot Lorango al bajo, y Zach Throne en la guitarra. JERRY CANTRELL muestra una elegancia normalmente reservada al Ángel de la Muerte en persona. Este tipo compone riffs diabólicos. Y hoy, para variar, alternamos entre su repertorio en solitario y Alice In Chains. Del lado de sus discos en solitario, tocan “Cut You” In de Boggy Depot (1998), “Psychotic Break” de Degradation Trip (2002), “Brighten”, “Had To Know” y la excelente “Atone” de Brighten (2021), y finalmente “Vilified”, “Afterglow” y “I Want Blood”, del último disco I Want Blood (2024). Del lado de Alice In Chains, el público tampoco queda decepcionado, con cuatro temas del monumento grunge que es el álbum Dirt (1992): “Them Bones”, “Down In A Hole”, “Would?” y “Rooster” al final del set. Siempre es un placer escuchar esas obras maestras en directo. También es la ocasión para pensar en Sean Kinney, baterista de Alice In Chains, cuyos problemas médicos obligaron al grupo a cancelar sus fechas este año. Le deseamos una pronta recuperación.

Y para cerrar esta edición 2025 del Hellfest, dirección LINKIN PARK (Main Stages). Es curioso pasar de un dúo de vocalistas legendarios a otro. Una generación separa a Cantrell de LINKIN PARK. Otra época, otro estilo. Pero igual de eficaz. Y, por desgracia, una pérdida del frontman en ambos casos. Pero donde Cantrell despierta en mí al padre que soñaba ser de niño, LINKIN PARK evoca más bien el recuerdo de una época en que todo era más simple que hoy.

Sin ser aguafiestas (aunque un poco), la cabeza de cartel de un gran Festival como el Hellfest encaja perfectamente con grupos grandes como LINKIN PARK: tienen los temas, el espectáculo, y el sonido (porque un concierto con buen sonido, mejor, ¿verdad Muse…?! En fin). Así que LINKIN PARK encadena éxitos, nuevos y antiguos: “A Place for My Head”, “One Step Closer”, “In the End” y “Papercut” de Hybrid Theory (2000), “Somewhere I Belong”, “Lying From You”, “From the Inside” de Meteora (2003), “What I’ve Done” y “Bleed It Out” de Minutes to Midnight (2007), “The Catalyst” y “Waiting for the End” de A Thousand Suns (2010), “Burn It Down” de Living Things (2012), y finalmente “The Emptiness Machine”, “Up From the Bottom”, “Heavy Is the Crown” y “Overflow” de su último álbum From Zero (2024).

El público canta y baila a pleno pulmón, tanto con From The Inside como con The Emptiness Machine. Es decir, el vínculo ha cuajado entre la nueva cantante Emily Armstrong y el público. Un gran espectáculo para cerrar este Hellfest, o casi, porque el verdadero cierre será el magnífico espectáculo de fuegos artificiales, que pudimos ver en primera fila justo después del último bis.

Conclusión
¿Cómo se reconoce a un gran festival?,
Según mi experiencia, no es por los grandes nombres de los cabezas de cartel – basta con un buen talonario para conseguir uno o dos: recordemos el excelente documental de Netflix sobre el Fyre Fest, el mayor Festival que nunca tuvo lugar. Tampoco es por la cantidad de años que lleva existiendo: a veces la experiencia por sí sola no basta para garantizar una experiencia de calidad para los asistentes. No, en mi opinión, todo está en los detalles.

Es bien sabido que si los grandes grupos exigen cosas absurdas en su “Technical Rider”, como un cuenco de m&m’s (solo marrones), o cinco botellas de Corona sin alcohol (cinco, ni tres ni seis. Cinco exactamente), es porque saben que si los organizadores han cumplido con esos detalles, entonces también habrán cumplido con todo lo demás que pidió el grupo. Lo realmente importante. El plan de luces. El número de micrófonos, de DIs, el equipo de vídeo, el pedal de bombo de repuesto, etcétera. Han leído todo. Han preparado todo lo que se les pidió. Sí, están los m&m’s marrones y las cinco Coronas sin alcohol. Son profesionales.

¿Qué es un detalle en el Hellfest?. Es poder ir a mear sin esperar una hora. Para las chicas, es tener urinarios adaptados si los quieren. Es tener puntos de agua a dos minutos andando, estés donde estés en el recinto. Son los nebulizadores gigantes que habrán salvado a más de uno del calor brutal que tuvimos que soportar durante estos cuatro días. Es poder cambiar de ambiente en cualquier momento, tanto en cuanto al estilo musical como al decorado, que el Hellfest ha ido desarrollando a lo largo de los años. En el Hellfest siempre tienes opciones, porque los organizadores lo han previsto todo. Mención especial este año para la Purple House, novedad absolutamente fabulosa de esta edición. En el centro, un escenario dentro de una jaula, al estilo Gulag de Mad Max 3 (el de Tina Turner); alrededor, máquinas arcade, sofás donde puedes jugar a la Super Nintendo, un peluquero por si te apetece hacerte una cresta, y muchas más sorpresas. La Purple House es una idea de genio, ambiente brutal, muy original. Los grupos que tocaron allí se lo debieron pasar de maravilla.

Musicalmente, seamos claros: incluso los días menos atractivos sobre el papel terminaron llenos de conciertos excelentes (como muestran nuestras crónicas en vivo). Especialmente para quienes tuvieron la fuerza de levantarse temprano y aprovechar las innumerables joyas programadas a primera hora.

También debo mencionar al público. En gran parte por culpa del Hellfest, se me ha hecho casi imposible asistir a Festivales de música mainstream, porque están llenos de gente que se las da de importante, o de personas que no paran de quejarse (por ejemplo, si los empujas un poco o quieres acercarte al escenario “porque ellos estaban ahí antes que tú”), o de personas que no saben comportarse, o las tres cosas juntas. El público del Hellfest no es así. Son metaleros. Se dan besos y hacen wall of death. Recogen a quienes caen durante un pogo. Comparten sus jarras de cerveza con el desconocido que tienen al lado. Se saben de memoria la biografía de la mitad de los grupos del cartel, incluyendo el nombre de los exmiembros que se fueron para montar otros proyectos, los proyectos paralelos, el significado oculto de tal o cual canción, y algunos incluso te pueden decir la lista completa del equipo que usa tal o cual músico en el escenario. El público del Hellfest es gente entendida, que sabe por qué está ahí. Y están felices de estar ahí, de reencontrarse con sus amigos y amigas, y de hacer nuevos amigos.

El Hellfest también es un festival francés, así que se come bien, incluso muy bien. Desde las deliciosas albóndigas vegetarianas de Green Corner en la Warzone, hasta la carrillada de ternera de Melt al fondo de las Main Stages, pasando por el ineludible pulled pork de L’Épicier du Hell en la Food Court: todo lo que comí estaba de-li-cio-so. Comer bien en un festival, eso también reconforta.

Y por último, están los voluntarios. Con camiseta amarilla, chaleco azul, polo negro, etc… de todas las formas y tamaños, pero con un punto en común: siempre sonrientes, siempre amables, siempre serviciales. Y eso que debe ser duro mantener el tipo durante cuatro días con ese calor insoportable. Y sin embargo, cumplen con su puesto, hacen su trabajo, responden a las preguntas, están ahí para ayudar y lo hacen bien. GRACIAS a todos esos héroes invisibles.

Todo esto es lo que hace del Hellfest un gran festival. Vaya donde vaya en el mundo, cuando hablo del Hellfest con metaleros, lo conocen, han ido o sueñan con ir algún día. Tenemos la suerte, en Europa, de contar con un festival fabuloso, digno de los Woodstock, Monsters of Rock en Donington y otros Ozzfest de las revistas y documentales que me hacían soñar a los 14 años. Un festival al que asisto cada año desde 2009. Y este año, encontré el ambiente aún mejor que el del año pasado. Tal vez por culpa del calor, o por la ausencia de grupos de electrónica este año (no lo entiendo, pero fue durante esos conciertos cuando más vi tíos pesados con las chicas de mi grupo). O quizás sea que, en un mundo cada vez más jodido, el público necesitaba esos cuatro días simplemente para disfrutar. En todo caso, este año fue realmente una edición fantástica, desde todos los puntos de vista.
N.R. Force Magazine (Hard & Heavy) España.
Gracias Fred Quota & Roxane Scudier

Todo empieza cuando la inmensa multitud reunida en los Main Stages canta al unísono «War Pigs» de Black Sabbath (del álbum Paranoid [1970]). ¿Qué mejor manera de unir a las leyendas de JUDAS PRIEST que invocando a otras leyendas frente a decenas de miles de fans? “Game recognize game”. Esto empieza bien.

La banda sube al escenario mientras los truenos hacen temblar Clisson. Y enseguida, Judas Priest ataca con «All Guns Blazing» y «Hell Patrol», extraídas de Painkiller (1990, ¡sí, ya hace 35 años!), para una entrada potente. Definitivamente, no paro de leer que este año los “veteranos” han decidido darnos una paliza. Y esa es exactamente la intención de los jefes del Heavy esta noche, ellos que han inspirado a tantas bandas después de ellos (a este respecto, os recomiendo encarecidamente escuchar la entrevista de Tom Morello [RATM] en el pódcast The Magnificent Others With Billy Corgan [de The Smashing Pumpkins]), y que siguen en la cima después de 56 AÑOS DE EXISTENCIA… Increíble.

La voz de Rob Halford conserva toda su potencia y autoridad; Ian Hill (bajo) sostiene las ofensivas de sus compañeros con el mismo carisma de siempre; Scott Travis (batería) golpea con la misma fuerza; y junto a Mr. Halford, los “nuevos”, Richie Faulkner (guitarra) y Andy Sneap (que reemplaza a Glenn Tipton como guitarrista en vivo debido al Parkinson de este último), dan una verdadera lección.

Judas Priest es la banda de Heavy Metal old school, sin adornos, sin concesiones, sin “post-esto” ni “post-aquello”. Un ejemplo de lo que es posible hacer cuando se decide no dormirse en los laureles, no limitarse a tocar de forma perezosa una recopilación de canciones escritas hace décadas, seguir sacando discos monstruosos incluso hoy (¡como Invincible Shield [2024]!) y sobre todo, como esta noche, proyectar tanta rabia. Pocas bandas entran en esta categoría, en mi opinión, porque ni siquiera AC/DC, Metallica o Guns N’ Roses cumplen todos los requisitos, seamos honestos.

Los gigantes del Heavy continúan con los clásicos, con «You’ve Got Another Thing Comin’», de Screaming For Vengeance (1982), cuyas letras, como ha revelado recientemente el actor Javier Bardem, también conoce de memoria, lo que permite al público regular su esfuerzo (porque sobre el escenario, ellos están al máximo). Pero la “pausa” será breve, porque enseguida enlazan con el monumental “Breaking The Law” (de British Steel [1980]), mi canción favorita de JUDAS por su eficacia, pero sobre todo porque aborda un tema —la rebelión contra la autoridad— que muchos grupos de metal actuales parecen haber dejado de lado, para mi gran pesar. Momento increíble para mí, entonces. Sigue una secuencia de bangers de Painkiller (1990): “A Touch Of Evil”, “Night Crawler” y “One Shot At Glory” (precedida por “Battle Hymn” como en el disco).

Judas Priest conoce bien a su público y saben dónde golpear para hacer más daño. Esta noche, los fans de los solos armonizados a dos guitarras están de enhorabuena. Es curioso pensar que en 2022 la banda creyó que podrían salir de gira con una sola guitarra, cuando los dúos de guitarras son LA marca registrada de Judas Priest… Por suerte los fans protestaron, ¡y la banda supo escucharlos!, También es una suerte que Richie Faulkner, a pesar de ser el miembro más joven del grupo, se haya recuperado por completo del accidente cerebrovascular que sufrió en 2021 (del cual habla en su entrevista de abril de 2025 en Premier Guitar, disponible en YouTube). De hecho, es impresionante ver la energía y precisión de este tipo esta noche, sabiendo las secuelas que puede dejar un ACV de por vida. O Richie tuvo mucha suerte, o es muy fuerte, o ambas cosas. En cualquier caso, esta noche está en la cima de su arte.

Y justamente, como decía antes, el Judas Priest actual sigue estando en la cima de su arte. Van a demostrarlo tocando tres canciones del enorme Invincible Shield (2024), su último álbum: “Gates Of Hell”, “The Serpent And The King” y “Giants In The Sky”, intercalando “Between The Hammer And The Anvil” de Painkiller (1990). Que Rob Halford sea aún capaz de escribir y cantar perfectamente un tema como “The Serpent And The King”, claramente mi canción favorita del álbum, a punto de cumplir 74 años, es simplemente alucinante.

Tras un breve interludio, llega el momento en que todos los focos se centran en Scott Travis, cuando comienza la intro de “Painkiller”, que marcó no solo su llegada al grupo tras la salida de Dave Holland en 1989, sino también su entrada en la historia. Porque esta intro es tan icónica que generalmente basta con tres segundos para reconocerla, ya sea tocada por Travis en la original o por Richard Christy en la monumental versión de Death en The Sound of Perseverance (1997). La batería es un lenguaje que poca gente entiende, y generalmente, salvo los bateristas, nadie le presta mucha atención. Y son muy pocos los bateristas capaces de componer intros míticas. La intro de “Painkiller” es una de ellas, como las de “You Could Be Mine” (Use Your Illusion II, Guns N’ Roses, 1991), “Territory” (Chaos A.D., Sepultura, 1993), “Blind” (Korn, 1994) o “Rock And Roll” (Led Zeppelin IV, 1971). Esta noche, Judas Priest la ejecuta de forma quirúrgica. Tengo la sensación de que la banda disfruta tanto tocando su himno como nosotros escuchándolo desde el público. Y, pequeño paréntesis: ver a Scott Travis aún asegurando en el doble bombo y golpeando con tanta espectacularidad y serenidad a más de sesenta años, es la prueba de que no necesariamente uno se vuelve blando con la edad, y eso me parece muy reconfortante. Así que si quieren tener la forma de este tipo a los sesenta años, ya saben lo que tienen que hacer: coman sano, duerman lo suficiente, apúntense al gimnasio y hagan cardio en Zona 2 y entrenamientos de fuerza. Hombre o mujer, da igual, y se puede empezar a cualquier edad. Fin del paréntesis.

La banda abandona el escenario y las luces se apagan mientras se oye el rugido de un motor 4 tiempos de Harley Davidson. Luego, como manda la tradición, Halford reaparece en escena al manillar de su Low Rider FXS 1340 de 1981, gorra de cuero bien ajustada en la cabeza, fusta entre los dientes. Los fans saben lo que eso significa: “Hell Bent For Leather” de Killing Machine (1978), y luego ya es hora del último tema de la noche: el excelente “Living After Midnight” de British Steel (1980), uno de sus temas más federadores, que la banda suele tocar al final de sus conciertos, al estilo de KISS con “Rock And Roll All Nite”. Magnífica conclusión para un concierto perfecto de esta banda legendaria. ¡Alucinante!.

​WITHIN TEMPTATION en el escenario es un gran espectáculo, porque la banda es conocida por ofrecer shows épicos con escenografías muy elaboradas, al igual que su música. Ya llevan 29 años dominando el Metal Sinfónico europeo junto a los grandes jefes de Nightwish, y el grupo incluso recibió un “Lifetime Achievement Award” en los Países Bajos el año pasado, como reconocimiento a su contribución a la proyección de la cultura neerlandesa en el mundo.

En 29 años, Within Temptation ha sabido ganarse un público amplio, que va mucho más allá de los puristas del género, porque en el fondo, todos conocemos a alguien que no escucha necesariamente Metal pero que aun así tiene una o dos canciones de Within Temptation en su playlist de Spotify. Sin duda se debe a una música accesible y que une, y por supuesto, a la personalidad de su frontwoman y fundadora, Sharon den Adel (voz).

Al verlos llegar al escenario, casi llego a pensar que el Main Stage les queda pequeño. Los instrumentos forman una pirámide, con los guitarristas Ruud Jolie y Stephen Helleblad al frente, a la derecha e izquierda respectivamente, luego Vikram Shankar (teclados) y Jeroen van Veen (bajo) en sus plataformas más elevadas, y en la cima de la pirámide, Mike Coolen detrás de su batería. A cada lado, columnas de veinte metros de altura que evocan una especie de templo antiguo, todo esto frente a una pantalla gigante al fondo del escenario.

La banda sube al escenario mientras suena la intro de “We Go To War”, primer tema del último álbum Bleed Out (2023), canción inspirada en la guerra de invasión rusa que sigue devastando Ucrania hoy en día. Sharon den Adel entra entonces en escena, con una bandera francesa a modo de corsé, y una corona que evoca la imagen de Libertas, diosa griega de la libertad. La libertad es precisamente el tema central de Bleed Out (2023), tanto a la luz de la situación en Ucrania como la de las mujeres en Irán. Recordemos que el grupo se ha comprometido públicamente con la causa ucraniana, y que hace dos meses lanzaron un documental, The Invisible Force, grabado en 2024 con motivo de su visita a Kyiv el año pasado. Un documental que os invito a ver en YouTube.

El problema de tener una cantante es que a menudo, uno solo la ve a ella. Es un poco el caso de Within Temptation, a pesar de la calidad y precisión de la sección instrumental. Sharon realmente les roba el show, con su carisma impresionante y su voz poderosa. Cuesta creerlo, pero a diferencia de Tarja Turunen (ex Nightwish) o Simone Simons de Epica, quienes recibieron formación clásica, Sharon es autodidacta. Pero es precisamente ese estilo tan personal, sincero y siempre cargado de emoción lo que la hace destacar para mí, al igual que un Bruce Dickinson (Iron Maiden) por ejemplo. “We Go To War”, entonces, primer tema épico esta noche para un concierto que también promete ser épico. El grupo continúa con “Bleed Out”, con su riff de sabor djent absolutamente enorme que te hace crecer la barba. Si este tema no te hace headbangear, no sé qué más necesitas. Within Temptation es simplemente una máquina de guerra en el escenario. Luego llega el monumental hit “Faster”, tomada de The Unforgiving (2011). Una elección muy acertada, ya que con su vibe casi Pop-Rock, que recuerda la época en que las radios ponían buena música, obliga a Sharon a bajar un poco la intensidad, al menos en las estrofas. Porque estoy seguro de que sin este tipo de restricciones, sería capaz de cantar todo el concierto a toda potencia.

La tregua dura poco, porque seguimos con “In The Middle Of The Night”, tema en la más pura tradición del Heavy Metal sinfónico, del mismo álbum. A continuación, “Stand My Ground” (de The Silent Force [2007]), tema dedicado al pueblo ucraniano y tocado con una emoción palpable que sinceramente me puso la piel de gallina, luego “Paradise (What About Us?)” de Hydra (2014), en cuya versión de estudio participa Tarja Turunen. Turno del último álbum, con “Don’t Pray For Me” y “Wireless”. Nada que decir, los nuevos temas funcionan a la perfección en vivo.

Within Temptation es una banda que ha sabido renovarse a lo largo de su larga carrera. Han logrado conservar su identidad sinfónica modernizando su sonido, y debo admitir que me encanta lo que están haciendo últimamente. Sin duda, este grupo tiene aún mucho por delante, y no parece que vayan a aflojar pronto. Sharon dedica a su padre, Eduard Martinus den Adel (fallecido en 2018), el siguiente tema: “Supernova”, extraído de Resist (2019), álbum que marcó un punto de inflexión para el grupo ya que fue con este que las letras comenzaron a abordar temas políticos de manera más directa.

A medida que cae la noche y la temperatura se vuelve más soportable, la banda enlaza con “What Have You Done” de The Heart Of Everything (2007), en dúo con Keith Caputo (de LIFE OF AGONY; presente virtualmente esta noche a través de la pantalla gigante). Otro tema ultra pegadizo que me recuerda la época en que, más joven, descubrí a Lacuna Coil (¡Ah, dulce nostalgia!). Enorme.

Tras presentar al público al nuevo integrante, Vikram Shankar, que reemplaza a Martijn Spierenburg en los teclados desde este año, el grupo saca uno de sus clásicos, “Lost” de The Unforgiving (2011), única balada de la noche para la banda. Y enseguida vuelve la intensidad con “The Reckoning” de Resist (2019). No sé en qué estado terminarán después de este concierto, tanto es así que el grupo mantiene la energía y la intensidad al máximo casi sin descanso desde el comienzo del show. La banda cierra su set con dos temas muy sinfónicos que deleitarán a los fans de la primera hora. Primero “Our Solemn Hour”, de The Heart Of Everything (2007) y luego “Mother Earth” (del álbum homónimo, lanzado en 2000), para concluir un concierto épico. Ver a una banda en la cima de su arte, sea cual sea el estilo, siempre es un placer, incluso un honor. Y esta noche, el público del Main Stage se rinde ante la gigantesca actuación de este gran grupo. ¡Chapeau!.

​PEST CONTROL (Warzone) resume por sí solo la atmósfera del Hellfest 2025 tras ya dos días de conciertos. El ambiente es realmente muy relajado, incluso más divertido que en años anteriores, sin que pueda explicar por qué. Y precisamente, PEST CONTROL es diversión pura. Está ocurriendo algo con las chicas en el hardcore en este momento. No es que lo estén descubriendo ahora, sino que por fin se habla (hablo) de ellas. Y a mí, las chicas que luchan en falda, que aman el maquillaje y la cerveza, me encantan. Leah Massey-Hay (voz) dirige una banda. Una manada de lobos. También debo decir que todos esos grupos de hardcore que parecen bandas de thrash salidas del verano del 86 en la Bay Area, con sus flequillos/camisetas de los Rolling Stones (Jack Padurariu, bajo), sus bigotes (Ben Jones, batería), sus Jacksons (Joseph Kerry), sus estilos de pioneros del skate (Joe Sam Williams), me parecen geniales.

Se acabó el uniforme de pantalones anchos, calcetas altas y expansores. La nueva generación rompe los códigos sin traicionar los valores del estilo. Sigue siendo Familia y Respeto, pero estas bandas jóvenes parecen necesitar menos probarse a sí mismas. Esta nueva ola del hardcore también sabe hacer thrash, y les importa un carajo. Los ingleses tocaron un set festivo y muy agresivo ante un público numeroso, bajo una temperatura algo más agradable gracias a unas nubes (aunque no durará mucho, tranquilos). Un set bastante corto (“Masquerade Party”, “Time Bomb”, “Year of the Pest”, “Enjoy the Show”, “The Great Deceiver”, “Don’t Test the Pest”, “P.M.C.”), lo cual no sorprende a nadie ya que PEST CONTROL tiene temas de menos de 50 segundos (“Don’t Test the Pest”, de su álbum homónimo [2023]). Un excelente inicio para mí este sábado.

En el Hellfest, se salta de una cosa a otra, de un escenario a otro, sin parar, durante cuatro días. Es la crema de la crema, en cada estilo, desde la mañana. Hay para todos los gustos: están las grandes cabezas de cartel, las leyendas que aún tenemos la suerte de ver en vivo, y luego están los grupos que están escribiendo la historia ahora. Aquellos cuyo mejor momento aún está por venir. De los que más adelante podrás decir: “los descubrí antes de que se hicieran enormes”. Si bien los grandes nombres de los Main Stages son indispensables en un Festival de esta envergadura, para mí, la acción verdadera está en los grupos menos conocidos de los otros escenarios en mitad del día. MARS RED SKY (Valley) es uno de esos.

En 2025, la música hecha por seres humanos, que inspira y luego espira, que se desacelera y luego acelera, que pasa del clímax a la suavidad, todavía existe. MARS RED SKY es prueba de ello. Y eso hace bien. Es ya su cuarta aparición en el Hellfest para estos veteranos del stoner/psicodélico francés, y el público acudió en gran número para ver la excelente actuación de estos veteranos cuya música tan bien construida devolvió al sol el poder de imponerse sobre las nubes tras su infructuoso intento de usurpación. Es una banda que adoro. Además, los tipos son simpáticos. En mi humilde opinión (totalmente parcial), este grupo merece tocar de noche, junto a All Them Witches, Sleep o Monster Magnet. En directo ofrecen un set lleno de matices, como saben hacerlo tan bien: Mathieu Gazeau (batería) oscila entre grooves pesados, pasajes llenos de sutileza y blast beats con gran destreza. Jimmy Kinast envuelve al público con la pesadez titánica de sus líneas de bajo, en apoyo (¡y qué apoyo!) de los riffs mastodónticos de Julien Pars, todo ello coronado por la voz celestial de este último. Stoner psicodélico de altísima calidad que no tiene nada que envidiar a sus colegas americanos.

Cabe señalar que este trío francés encabezará el Stonefest en Oviedo el próximo 5 de septiembre.

Tras una breve parada cerca de los Main Stages durante FREAK KITCHEN y DAD, que escuchamos desde lejos, nos dirigimos hacia la Valley para ver a CONAN. Conan es solo grasa. Aquí se caza mamut, no conejo. El trío inglés siempre ha sabido volver el aire denso. Los más veteranos recordarán su paso masivo por el Hellfest en 2014, durante su época Blood Eagle. Pero el doom/sludge de CONAN se ha vuelto cada vez más agresivo con el tiempo. Quizás los numerosos cambios de formación tengan algo que ver. En cualquier caso, la versión actual de la banda, con Jon Davis (voz/guitarra), David Riley (bajo) y Johnny King (batería), mantiene viva la tradición de romper mandíbulas en el escenario.

El sonido está impecable a pesar de sus afinaciones cavernosas, los riffs son tan monstruosos como siempre y la voz de Jon sigue rebosando rabia. Y también groovea seriamente, al estilo de Sepultura en la era Roots (1996) o Korn en la época de Untouchables (2002), pero hecho por canteros que trabajan con las manos desnudas. Un setlist para deleite de los fans de la primera hora, con “Satsumo” de Horseback Battle Hammer (2010), “Hawk as Weapon” de Monnos (2012), los himnos “Foehammer” de Blood Eagle (2014) y “Volt Thrower” de Existential Void Guardian (2018), así como varios temas más recientes como “Levitation Hoax” y “Ritual of Anonymity” de Evidence of Immortality (2022) o “Foeman’s Flesh”, “Desolation Hexx” y “Frozen Edges of the Wound” de su último álbum Violence Dimension (2025). Algunas bandas brillan por sus matices, otras, por su intensidad constante. CONAN pertenece a esta segunda categoría. No busquen más: todos los metaleros del Hellfest que visten talla XXXL están aquí. Sin duda esta observación también se cumplió durante su paso por el Resurrection Fest este año. Yo mismo gané 5kg durante su set. CONAN es la banda más pesada que he visto este año hasta ahora (ya lo dije en 2014 y 2019, hay cosas que nunca cambian).

Difícil hacerlo mejor en cuanto a realeza del rock’n’roll que BLACK COUNTRY COMMUNION (Main Stages). Cuatro leyendas, siglos de experiencia acumulada entre ellos, suficientes para recordar a los más jóvenes de dónde viene esta música que más de 240.000 personas hemos venido a celebrar a Clisson este fin de semana. Y claramente este año, los “mayores” del cartel vinieron decididos a darlo todo.

BLACK COUNTRY COMMUNION es energía increíble, soltura, y toda la potencia del classic rock producida sin esfuerzo y con gran elegancia. Nada sorprendente cuando uno conoce la trayectoria de este supergrupo. Glenn Hughes sigue siendo tan poderoso, tan matizado, tan sincero con su voz (¡Qué demostración en “Black Country” al final del set!).

El fan de Deep Purple, Led Zeppelin, Dio, Soundgarden y Rival Sons que soy, se deleita. Y adoro sus líneas de bajo al estilo John Entwistle (de The Who –el bajista entre todos los bajistas para mí– RIP). Fenomenal. Joe Bonamassa, titán del blues americano, es absolutamente implacable. Si el personaje de Clint Eastwood en su western Unforgiven (1992), con su estallido de violencia vengativa al final de la película, si ese personaje tocara la guitarra, sería Joe Bonamassa. Pero no se detiene ahí. Al teclado, nada menos que Derek Sherinian, el mismo que tuvo que ceder su lugar a Jordan Rudess en Dream Theater justo antes de que esa banda alcanzara el estatus de leyenda con Metropolis Part 2: Scenes from a Memory (1999), y que participó en Moonbabies (2002) de Planet X, álbum imprescindible para todo fan del progresivo que se respete. Sherinian deleita a esos fans hoy con sus texturas sonoras inconfundibles. Y, last but not least, Jason Bonham, digno heredero de su padre (cuyo nombre no mencionaré, porque si a estas alturas no lo sabes, no sé qué decirte), preside orgullosamente la Main Stage tras su batería, cuyo bombo lleva el retrato de papá. Un Bonham impecable a la batería, viviendo su mejor vida, concentrado durante el set pero saltando de alegría al terminar el concierto.

El público encantado con un setlist que recorre casi todos los álbumes del grupo, con “One Last Soul” y “Black Country” de su primer álbum Black Country Communion (2010), “The Outsider” y “Save Me” de Black Country Communion 2 (2011), “Sway”, “Wanderlust” y “The Crow” de BCCIV (2017), y finalmente dos temas del último álbum V (2024), “Red Sun” y “Stay Free” (más classic rock que ese tema, imposible). Simplemente el mejor sonido de bajo, la mejor distorsión de guitarra y el mejor sonido de batería del fin de semana, en mi opinión.

Seguimos con WINDHAND (Valley). WINDHAND es lento, es pesado, es hermoso. Doom como nos gusta, al estilo Acid King para los entendidos. Si te gustan los riffs hipnóticos, alargados durante minutos, envueltos en una voz etérea, estarás en tu elemento. El sol se pone, la temperatura se vuelve soportable. ¿Qué mejor que tumbarse en la hierba relajándose con WINDHAND? Los riffs se vuelven más lentos, todos se relajan, el sonido es IMPECABLE (y con una afinación tan baja, es todo un logro). Un set de WINDHAND es como ver una bestia monstruosa salida de Lovecraft, cuya domadora la mantiene a raya con poderes mágicos para que no devore las almas de los aldeanos indefensos del Valley. Me parece que es su primera aparición en el Hellfest, y muy exitosa.

Nos dirigimos al escenario Altar, ocasión para mí de descubrir a los escandinavos de VOLA y su metal progresivo bastante refinado, debo admitir. No soy realmente fan del djent, porque siempre he preferido el original (Meshuggah, mi banda favorita) a cualquier copia. Pero aquí, el show de VOLA es tan preciso, los visuales son tan bonitos, el sonido es tan perfecto –especialmente el de Martin Werner en los teclados y Nicolai Mogensen en el bajo–, la voz de Asger Mygind es tan hermosa, el estilo de batería de Adam Janzi tan creativo y los temas tan bien escritos, que me encantó de inmediato. Al menos los temas más djent, como “Inside Your Fur” del álbum Witness (2021). Otro gran descubrimiento gracias al Hellfest que podré explorar con calma al volver a casa.

Decidimos posicionarnos por anticipado en la Warzone de cara al concierto de TURNSTILE. Porque sabemos bien que sábado por la noche + Warzone + TURNSTILE = si quieres ver algo, tienes que anticiparte. Si intentas llegar a ese escenario al mismo tiempo que otros 10.000 asistentes (o más), va a ser complicado. Mejor pasar por el baño, comer algo, tomar una copa en el bar y ubicarse pronto. Así lo hicimos, y fue lo correcto. Porque TURNSTILE está literalmente explotando.

Es imposible pasar un día sin ver algo sobre ellos en las redes desde el lanzamiento de su último álbum Never Enough (2025). Un álbum muy pop, que sorprendió a los fans de la primera hora de esta banda de Baltimore, MD, pero que probablemente les permitirá subir uno (o dos, o tres) peldaños en su carrera. Pero ojo: sí, los temas son más pop. Pero cuidado, TURNSTILE sigue siendo una banda de hardcore, así que en el escenario siguen tocando con la misma furia, y el público sigue siendo igual de bruto. Artes marciales mixtas. Si no te gusta la pelea, en el pit de TURNSTILE puedes aburrirte. No soy un gran conocedor del hardcore, pero cada año en el Hellfest, siempre he recibido una buena bofetada con alguna de las cabezas de cartel de la Warzone.

Desde Refused, Kvelertak, Turbonegro hasta Body Count. Y este año fue TURNSTILE. Un set lleno, con muchos temas nuevos por supuesto: “Never Enough” (imbatible como apertura, la verdad), “Dull”, “I Care”, “Look Out For Me” y “Birds”, pero también muchos otros hits recientes como “T.L.C. (Turnstile Love Connection)”, “Endless”, “Fly Again”, “Holiday”, “Don’t Play”, “Blackout”, “Mystery” de Glow On (2021), y algunos temas más antiguos como “7”, “Keep It Moving” y “Pushing Me Away” de Step to Rhythm (2013), o “Fazed Out “y “Drop” de Nonstop Feeling (2016). Como era de esperarse, la Warzone está a reventar, se baila, se canta, hay crowdsurfing hasta detrás de la consola (lo que da una idea de la multitud), y apenas hay peleas a pesar de la hora. Un concierto genial, muy intenso, para cerrar bien este sábado. TURNSTILE volverá a Europa este invierno, con una fecha en el Sant Jordi Club de Barcelona el 24 de noviembre y otra el 27 de noviembre en el Palacio Vistalegre de Madrid.

Warning: esto no es “Rock de chicas”. Es Rock, punto. ¿Quién no sueña, al ver a THE WARNING (Main Stages), con tener una hermana menor así?. El Main Stage está lleno a reventar a pesar de un sol abrasador, con un público encantado de recibir a LA sensación mexicana del momento. Recordemos que el trío se dio a conocer en parte gracias a su paso por el programa de Ellen Degeneres en 2015. Fue un amigo mío, que da clases de batería en el estudio junto al mío, quien me hizo descubrir esta banda. Un día, una de sus alumnas le pidió trabajar uno de sus temas (“Money”, me parece, sacado del álbum Error [2022]). Y ese pequeño detalle va al corazón de lo que hace la fuerza de THE WARNING: antes, muchas niñas soñaban con ser modelos o actrices. Luego, querían ser influencers o incluso Khaleesi. Pero hoy, gracias a grupos como THE WARNING, miles de niñas crecerán soñando con formar una banda. Así que gracias por existir, THE WARNING, están marcando el camino.

THE WARNING se inscribe en la corriente de bandas estadounidenses de “grandes riffs / gran producción” como Black Stone Cherry, Alter Bridge o Stone Sour. Y lo que podría reprochárseles en sus discos se convierte en un superpoder sobre el escenario: sí, la composición está un poco estandarizada. Sí, la producción es un poco demasiado perfecta. Pero eso es lo que pasa: en directo, todo funciona. Es imposible resistirse a esos estribillos enormes. Tienen confianza, se sienten muy cómodas, la ejecución es precisa. Eso demuestra un verdadero talento: el de tener suficiente madurez para escribir temas que se puedan tocar perfectamente en vivo. ¿Cuántas veces grité “¡pero síííí!”, durante su actuación?. ¿Cuando hacen groove en half-time en el puente de “Escapism”?. ¿En el pasaje con cowbell en “More”?. ¿En las armonías del estribillo de “Sharks” (¡Qué temazo, por cierto! ¡Ese acorde…)?. Respuesta: all of the above.

Salimos literalmente alucinados de su concierto. Las hermanas Villarreal Vélez tienen más de diez años de experiencia, y se nota. Realmente tienen su lugar junto a los grandes nombres del Main Stage este año. Daniele (voz) domina al público con un carisma increíble, Paulina no falla ni una en la batería y Alejandra es el ejemplo mismo de la fuerza tranquila propia de los grandes bajistas. Única pena: no tocaron “Six Feet Deep” (el temazo brutal que abre su último álbum Keep Me Fed, lanzado en 2024). Los afortunados habrán podido verlas en su gira europea del año pasado, y para los demás, habrá que esperar un poco. En todo caso, un consejo: no les pierdan la pista, no se van a arrepentir.

También en los Main Stages, es el turno de ROYAL REPUBLIC. Desde el primer momento, debo dejar algo claro: al teclado-guitarra, digo sí. Ya está marcado el tono. Hay que tener agallas para no tomarse demasiado en serio. Y para una banda capaz de ofrecer un show de este nivel, es muy impresionante. Sobre todo porque el humor en el Metal puede fácilmente caer en el mal gusto si no se sabe dónde poner el límite. Al igual que el rollo retro/años 80. Todo eso no es problema para el cuarteto de Malmö. Seamos claros: Suecia solo produce buenas bandas (lo repito, pero es importante). Los chicos de ROYAL REPUBLIC decidieron mostrar todo lo que saben hacer: Rock fiestero, por supuesto (“My House”, “LoveCop”, “Baby”, “Venus”, “Full Steam Space Machine”; “Tommy Gun”), up-tempo típicamente escandinavo (“Getting Along” – en medley con “And Justice For All” de Metallica), slow-disco súper sedoso (“Lazerlove” – lástima que no se pueda poner en repeat en vivo; “Lazerlove” es la canción espléndida que saca al amante que llevas dentro detrás de esa fachada de bruto que come niños \[todos sabemos quién eres]).

Y resulta que ROYAL REPUBLIC incluso saben hacer bluegrass acústico en coro al estilo O Brother, Where Art Thou? (de los hermanos Cohen, película de 2000), porque no hay uno, sino cuatro excelentes cantantes en esta banda, además de thrash (excelente versión de “Battery” de Metallica). Todo esto en cuero/bigote/sonrisa enorme mientras hace un calor insoportable… Realmente muy impresionado por este show, como los miles de fans avisados que, como nosotros, no pensaban perderse este momento. Adam Grahn (voz/guitarra) dirige el espectáculo con una soltura desconcertante, Hannes Irengård no falla ningún objetivo, Per Andreasson es un verdadero showman a la batería (al punto de terminar “Full Steam Space Machine” tocando de pie), pero para mí el MVP de este grupo es Jonas Almén (bajo). Como baterista, siempre he sido muy sensible al trabajo de los bajistas, y debo decir que Jonas es totalmente mi tipo de bajista, con su estilo intenso, groovy y concentrado. ROYAL REPUBLIC es excelente en disco, divertidísimo en videoclip y simplemente perfecto en vivo. No importa qué estilo de metal escuches, si tienes la oportunidad, junta algunos amigos y ve a verlos.

Imposible perderse a THE CULT (Main Stages) este año. IM-PO-SI-BLE. Era uno de los tres grupos que más quería ver en esta edición del Hellfest. No vienen seguido, y nunca los había visto antes, porque su visita en 2023 fue cancelada en el último minuto. Desde la primera nota de “Rise” (de Beyond Good and Evil, lanzado en 2001), un tema que pega fuerte por cierto, olvidas instantáneamente el calor sofocante, el agotamiento, la inflación, el futuro incierto… Cuando THE CULT toca, rockeas. No porque te lo pidan. Porque es una orden. Estos tipos son duros. Mucho más agresivos de lo que esperaba. ¿Conoces a esos gánsteres old school de Los Soprano o de una película de Guy Ritchie? Esos con los que no se juega. Sicarios que han sobrevivido a una vida de crímenes. A los que hay que temer. Dales una guitarra, un bajo, una batería y un micro, y voilà: tienes a THE CULT.

Esta banda lo tiene todo: riffs asesinos, grooves diabólicos, un frontman/gurú (Ian Astbury) que acaba de convertirse en el nuevo sheriff del pueblo (qué voz tiene este tipo), un guitarrista (Billy Duffy) que no quiere ser tu héroe (nada es más cool que alguien que no intenta serlo). Un bajista (Charlie Jones) que mantiene todo con tanta fluidez que piensas: “en realidad, mi vida va bien” (me encantan los bajistas de rock). Y luego está John Tempesta. Uno de mis ídolos desde hace al menos 30 años (Astro Creep 2000 de White Zombie estará para siempre en mi corazón). Una autoridad detrás de los tambores. Y tío… esa caja… Al final, THE CULT tocó un set demasiado corto para mi gusto (“Rise”, “Wild Flower”, “The Witch”, “War (The Process)”, “Rain”, “Spiritwalker”, “She Sells Sanctuary” y “Fire Woman” – por supuesto – y “Love Removal Machine”). Me hubiera encantado que tocaran “Hinterland” (de Hidden City, lanzado en 2016), pero en festival, así son las cosas. ¡Será para la próxima! Dato curioso: la próxima vez que creas que tu día va mal, recuerda que hay un tipo cuyo trabajo es manejar el cable del micrófono de Ian Astbury durante los conciertos (créeme, ese caos no es fácil).

Debido a un incidente técnico (el peor sonido que he escuchado en el Main Stage del Hellfest desde mi primera edición en 2009), y para evitar enfadarme explicando lo que pienso, he decidido no hablar del concierto de MUSE (Main Stages). Next.

Next, entonces. Una de las cosas que más me fascinan son las evidencias que se esconden en el mundo. Siempre han estado ahí, sin que las veamos, hasta que un buen día, por tal o cual razón, a veces por azar, aparecen. Y ahí, ¡bam! ¡Pero claro!, Todavía recuerdo la primera vez que escuché a Metallica, cuando el videoclip de “Enter Sandman” sonaba en bucle en MTV, mis primeras carnitas, la primera vez que leí a Albert Camus, mi primera mascota (RIP, Jacob) o la primera vez que me senté detrás de una batería. ¡Pero claro! En un instante, algo de lo que no tenías idea de su existencia se vuelve absolutamente fundamental en tu vida. A partir de ahora, no puedes vivir sin eso. Ese es el poder de la curiosidad. No se trata de dispersarse, ni de no decidirse por una dirección. No, la curiosidad es EL método para ampliar la cantidad de cosas buenas en la vida.

Tres semanas antes del Hellfest, no conocía a HEILUNG (Main Stages). Me interesan muchas cosas, pero no sé mucho sobre la historia y cultura nórdicas. Y luego, escuchando las playlists de cada escenario del Hellfest 2025, por curiosidad, me topo con Norupo (del álbum Futha [2019]). Dudo unos segundos y luego dejo que suene. Termina el tema, lo pongo una segunda vez, solo para estar seguro. Vale la pena investigar, escucho todo el álbum, luego los otros dos álbumes (Ofnir [2018] y Drif [2022]) mientras investigo sobre la banda para saber más. Acabo de darme cuenta de que durante años pasé por alto algo que me habla tanto, que casi me da vergüenza. ¿Dónde estuve todo este tiempo?. Porque todo lo que he escuchado, desde Roots (1996) de Sepultura (“Jasco”, “Itsári”), hasta Mezzanine (1998) de Massive Attack (“Angel”), pasando por Money Shot (2015) de Puscifer (“Grand Canyon”), o el sublime “Utai IV: Reawakening” compuesto por Kenji Kawai para Ghost in the Shell de Masamune Shirow (1995), o BJÖRK, o incluso, sin miedo a las palabras, The Way of All Flesh (2008) de Gojira (el final de Art of Dying) y todo Meshuggah desde Chaosphere (1998)…

Todo me preparó para recibir a HEILUNG. Mi amor incondicional por Kvelertak, aunque no hablo una palabra de noruego, también tuvo que ver. No hace falta entender el idioma para poder sentir (aunque se puede buscar traducciones en Google para tener una idea). Incluso mi curiosidad por Göbekli Tepe y otros temas protohistóricos influyó. Así que cuando me topé con HEILUNG por casualidad, fue inmediato. Un flechazo. Una evidencia. HEILUNG es un trío de apasionados de la cultura y la historia de la Alta Edad Media del norte de Europa, liderado por Kai Uwe Faust (voz/chamán/maestro de ceremonias), con la fabulosa Maria Franz (voz) y el genio Christopher Juul en los instrumentos y la producción.

En directo, los acompaña una tropa de warriors, unas veinte personas sobre el escenario. Todos cantan (o casi), todos bailan, todos tocan un instrumento o una percusión. Todo se toca en vivo, no hay samples a la vista. Una actuación de HEILUNG es más un ritual chamánico que un concierto. Es un verdadero rito, musical y espiritual, al que el público está invitado a participar. Cabe señalar que Heilung significa “sanación” en alemán. El enfoque de HEILUNG está lleno de paradojas fascinantes. Primero, porque al centrarse en el estudio de la antigua cultura nórdica, un tema muy especializado, logran extraer algo universal, tanto en cuanto a temas como a sonoridades.

No es de extrañar verlos tocar junto a nativos americanos o con pueblos del sudeste asiático. Luego, porque aunque este proyecto podría percibirse erróneamente como un enfoque antropológico, hay que entender que nadie sabe cómo sonaban los cantos de los antiguos nórdicos, ni siquiera qué percusiones usaban, ya que obviamente no hay grabaciones de eso. Así que es realmente una banda actual, que crea sus propias piezas basándose en su investigación y su inspiración. Además, uno podría creer erróneamente que HEILUNG es un proyecto “espiritual” ante todo. Pero la realidad es que: bailar sin parar durante más de una hora, cantar letras que apenas dejan espacio para respirar, o tocar constantemente la misma nota en una percusión durante quince minutos seguidos, sin ninguna variación, sin cambios… eso debe ser físicamente muy duro.

Como músico, ese aspecto tan terrenal me impresiona mucho. Y por último, generalmente se asocia la historia nórdica con los vikingos, es decir, con la violencia. Y sin embargo, no hay ni rastro de eso en HEILUNG. No digo que su música sea siempre suave, eso sería completamente falso, pero incluso los temas más guerreros de su repertorio transmiten un mensaje de amor, respeto y benevolencia. Ya habrás entendido que quien escribe esto es un fan. Así que no hace falta decir que esperaba este concierto con impaciencia. Confieso que no vi nada del concierto. Ni una sola vez miré el escenario o las pantallas gigantes. Estaba demasiado ocupado bailando y aullando como un lobo, en mi mundo. Sin duda fue el mejor concierto que vi este fin de semana, y el que más esperaba. ¿Qué tocaron? “In Maidjan”, “Tenet”, “Anoana”, “Alfadhirhaiti” y “Hamrer Hippyer” (magistral para cerrar, justo antes de la ceremonia final). Tal vez tocaron otras canciones, honestamente no estoy seguro. En todo caso, este concierto me llenó completamente, salí con las baterías recargadas para el año. El grupo hará una pausa en los próximos meses, después de haber encadenado giras casi sin parar desde 2018, y planea regresar en 2027 con un álbum (o dos, según Kai, con quien pude hablar en el Metal Market al día siguiente) y nuevos directos. ¡Habrá que tener paciencia!.

Este año, desde el inicio, un dilema: nos vemos obligados a dividirnos en dos equipos (y no tres, ya que los israelíes de WALKWAYS se vieron obligados a cancelar su venida tras el cierre de su espacio aéreo). Mientras los demás van a las Main Stages para ver a SKINDRED, que escucho a lo lejos desatar su carnaval festivo frente a una pista ya muy llena, yo me dirijo hacia TAR POND (Valley). Y en dos minutos, paso de la pista de baile con aromas caribeños de SKINDRED a «Please don’t hurt me«, ya que la casualidad quiso que llegara justo cuando los suizos interpretaban su tema “Please”, extraído de Protocol of Constant Sadness (2020). Dos escenarios, dos ambientes. Difícil encontrar mayor contraste. Y también lo hay en el hecho de escuchar doom and gloom bien lento y oscuro, a las 16h en plena ola de calor. «Please don’t hurt me» es exactamente lo que estoy suplicando al sol en ese preciso momento, frente a esa Valley cuya sombra cedió su lugar al Sanctuary desde 2023.

Si tuviera que describir TAR POND en una frase, sería en inglés: “Imagine if Dark Side of the Moon had a dark side, and you get TAR POND” (Si Dark Side of the Moon tuviera una cara oscura, sería Tar Pond). En vivo, TAR POND recrea perfectamente la pesadez sombría que envuelve todos sus álbumes. Los tempos son lentos, los riffs son masivos, lo que permite anclar sólidamente la narración propuesta por Thomas Ott al micrófono, que impacta por su presencia y humildad, y que aprovechará la ocasión para rendir homenaje a Martin Ain (RIP), fundador del grupo y exbajista de Celtic Frost. TAR POND es oscuro, pero no es resignación. Es más bien aceptación del destino que nos aguarda a todos. Un memento mori en do mayor. Estos tipos no están en su primer entierro, el público tampoco: nos entendemos. TAR POND ofreció un show sobrio, eficaz, sin exageraciones. Esta primera joya del fin de semana estuvo ampliamente a la altura de mis expectativas, hasta el clímax final con la magistral “Blind”, extraída de su segundo álbum Petrol (2023). Esto empieza bien.

Seguimos con SLOMOSA (Valley). Debía de ser genial tener 15 años en los años 70. Sin internet. Padres desbordados. Un futuro marcado en la fábrica como el padre. Una vida más simple. Y sobre todo, discos increíbles (Paranoid de Black Sabbath, el Made in Japan de Deep Purple, Led Zeppelin IV, Destroyer de Kiss, etc.), Starsky y Hutch, Kung Fu en la tele, los inicios de Star Wars y Alien… suena a sueño. Visualmente, el look de Benjamin Berdous (guitarra/voz), con su exuberante afro, evoca todo eso. En cuanto a la música, si te gusta el desert rock ultraeficaz que suena como el ronroneo del V8 de un Dodge Challenger R/T 1971, estás de suerte. Con dos álbumes muy logrados, SLOMOSA se está haciendo tranquilamente un nombre entre los aficionados del stoner. Una reputación bien merecida, que los noruegos defienden con un set monstruoso, abriendo fuego con “Afghansk Rev”, extraído de su excelente segundo álbum Tundra Rock (2024). Fuzz a todo volumen, groove irresistible, gran sol, todo el público baila: el tono está marcado. En vivo, SLOMOSA funciona directo: Benjamin Berdous (guitarra/voz), una especie de cruce entre Reggie Watts y el Gran Lebowski, se contonea con la barriga al aire; está supercómodo. A su lado, Tor Erik Bye (guitarra) hace headbang como un poseso y Marie Moe destruye su bajo con la fuerza y convicción de una valquiria, mientras Jard Hole (batería), con un toque fluido y sereno, se encarga de mantener el ritmo cardíaco de una Valley abarrotada en la zona 2. Todo ello reforzado por Erik Marinius Sandvik (coros/percusión/guitarra) como quinto miembro en vivo, quien no es otro que el productor de los dos álbumes del grupo. Con un repertorio así (“Afghansk Rev”, “Cabin Fever”, “Rice”, “In My Mind’s Desert”, “Good Mourning”, “Battling Guns”, “There Is Nothing New Under the Sun”, “Kevin”, “Monomann”, “Horses”), SLOMOSA nos da una auténtica lección de rock ‘n’ roll, un grupo que tendremos la suerte de ver en gira junto a Kadavar este otoño por varias ciudades de Europa (en la Sala MON Live de Madrid el 16 de octubre y en el Hotel Barcelona Apolo el 17 de octubre). Eso merece un puño en alto.

Después corremos hacia AIRBOURNE (Main Stages). Este grupo es un misterio para mí. Un auténtico enigma. Si los hermanos O’Keeffe pudieran donar sus cuerpos a la ciencia al morir, creo que valdría la pena examinar sus cerebros y corazones al microscopio. Porque, normalmente, cuando un grupo aparece sonando como otro grupo muy conocido, se nota, todo el mundo los critica (yo incluido), y los imitadores acaban más o menos en el olvido. Pero en 2007, AIRBOURNE cayó del cielo con su primer álbum Runnin’ Wild, y ahí, por alguna razón que no comprendo, me encantaron. Amor a primera vista.

Lograron lo imposible. Y funcionó, porque su carrera no ha parado desde entonces, hasta el punto de que los australianos son recibidos por una Main Stage a reventar en este primer día del Hellfest. Este público numeroso sabe que un concierto de AIRBOURNE siempre es divertido. La fórmula es simple: riffs infernales, una rítmica que va 1, 2, 3, 4 y una voz aguda ante un público con el puño en alto. Es como ese coche viejo que no tiene aire acondicionado, ni airbags, que huele a gasolina a los dos minutos, pero del que nunca podrás separarte, porque es indestructible y lo amas. AIRBOURNE, para mí, es eso. No pretenden inventar nada, pero ocurre que: todos sus riffs son temazos, todos sus shows van al máximo, y este grupo nunca decepciona. AIRBOURNE en vivo siempre funciona. Hoy lo demuestran una vez más, con un repertorio de festival lleno de éxitos, por supuesto con “Too Much, Too Young, Too Fast”, “Girls in Black”, o “Back in the Game”, pero también con las muy eficaces “Ready to Rock” y “Live It Up”, pasando por su excelente último single “Gutsy”, y por supuesto “Runnin’ Wild” para cerrar. AIRBOURNE es mucho más que un premio de consolación en espera de tener a AC/DC algún día en el Hellfest.

Es un grupo sólido, que transmite energía en disco y que siempre es divertido de ver en directo. Nos vemos en marzo de 2026 para la gira tras el nuevo álbum, con tres fechas ya anunciadas en España (Barcelona, Madrid y Bilbao).

Es el turno de THE HELLACOPTERS (Warzone). ¿Qué se puede decir de Nicke Andersson que no se haya dicho ya?. ¿Baterista fenomenal?. ¿Compositor visionario? ¿Guardián de los secretos milenarios del sagrado rock’n’roll? Este tipo es uno de mis héroes, desde que escuché a Entombed por primera vez en 1996. Nicke Andersson es a quien debes acudir cuando te falta mojo, porque para él es su segundo nombre. Nicke Andersson es mucho más que un músico para mí, es un embajador de Suecia ante el resto del mundo. Hay que decir que los suecos son realmente un pueblo aparte, porque es simple: un mal grupo sueco no existe. Y esta noche es un placer volver a ver a THE HELLACOPTERS sobre el escenario. ¡Qué grupo! ¡Qué clase! Se agradece escuchar música tocada por músicos, sin un ordenador en el escenario, sin metrónomo, sin samples, sin artificios. Solo tipos talentosos, con clase, que tocan un rock’n’roll inspirado en el blues, el boogie, el punk y la música de los años 60. Un concierto impecable que hizo las delicias de los numerosos aficionados al classic rock reunidos esta noche en la Warzone.

Nos dirigimos hacia las Main Stages para acompañar a los colegas que querían ver a KORN (porque al anochecer, en el Hellfest, lo importante es no perder a los amigos, así que toca perderse a Orange Goblin en la Valley –sniff–). Es EL gran cabeza de cartel de este jueves, y la afluencia es monstruosa. KORN es un grupo que, debo admitir, toca cada vez mejor. Aunque no soy un fanático, me sorprendí bailando y cantando con el resto de la multitud al ritmo de los numerosos éxitos de estos gigantes californianos, que, hay que decirlo, saben groovear. Y muy bien. El grupo no dudó en regalar al público un fragmento de la versión de “One” que hicieron en 2003 para el famoso MTV Icon dedicado a Metallica. El Hellfest también permite disfrutar de vez en cuando de grupos que uno no iría necesariamente a ver en una sala. Y además está Ray Luzier (no hace falta decir más, los bateristas entenderán). En resumen, un repertorio bien cargado (“Blind”, “Twist”, “Here to Stay”, “Clown”, “Got the Life”, “Did My Time”, “Shoots and Ladders/One (medley)”, “Cold”, “Ball Tongue”, “Twisted Transistor”, “A.D.I.D.A.S.”, “Dirty”, “Somebody Someone”, “Y’All Want a Single”, “4 U”, “Falling Away From Me”, “Divine”, y para terminar “Freak on a Leash”), buen ambiente en el público, ¡gran momento!

Y para terminar por todo lo alto, ELECTRIC CALLBOY (Main Stages). Solo presté verdadera atención a este grupo en su última visita a Clisson en 2023, aunque ya había visto y disfrutado varios de sus vídeos por aquí y por allá. Esta vez, estoy preparado, y los alemanes realmente incendiaron la Main Stage, arrancando directo con su éxito “Elevator Operator”. El electronicore de ELECTRIC CALLBOY es absolutamente irresistible, especialmente en vivo, pero no solo. Las canciones están muy bien construidas, los riffs son enormes, es fácil de entender y de cantar… En fin, puedo decir que si existieran discotecas que pusieran este tipo de música, ¡iría más a menudo a las discotecas! Así que, la Main Stage convertida en discoteca, me parece genial. Aquí es la fiesta, todo el mundo baila, el grupo encadena temazo tras temazo (“Spaceman”, “Hypa Hypa”, “Pump It”, “We Got the Moves”) incluyendo incluso una versión muy bien pensada de “Still Waiting” de Sum 41. No me arrepiento de haber elegido este concierto en lugar de TURBONEGRO (Warzone) o ALCEST (Temple), dos grupos que también adoro y que habría ido a ver si no coincidieran en horario. Suelo decir que ELECTRIC CALLBOY es como Rammstein, pero con humor y sin acusaciones de agresión sexual. Pero sobre todo, ELECTRIC CALLBOY es un grupo que hay que ver al menos una vez en la vida. Gran espectáculo, público con ganas de fiesta y risas, ¡e incluso fuegos artificiales! Así que yo también me río mucho durante ELECTRIC CALLBOY. No solo porque el concierto es mortal, sino también al pensar en todos esos que imaginan que el Hellfest es una reunión de satanistas para practicar rituales oscuros e invocar demonios. Si supieran…